林容生|林容生：文人画不设色是当代青绿的机遇( 五 ) |山水画|工笔|重彩|林容生|文人

我的作品的形式表现最初始于题材的选择，当画面中民居成为主题或主体内容的时候，几何形也就成了画面上的主要形态元素，因此山石等其他部分也相对应进行造型和结构上的处理，几何形态的构成方式在90年代末至2000年之后几年的作品中开始形成。传统中国画设色从色彩应用上是比较简单的：即根据対象的客观色彩概括性的用色，所谓随类赋彩。另外中国画的色彩基本上是由颜料来决定色相的，传统习惯上中国画家只选择用某个颜色，一般不用通过调色的方法去改变色相，色彩的意义只是象征性的，而非客观地去再现自然的色彩变化，所以多用平涂的方法敷色，呈现出来就是色块的形态。
我个人对用色的认识，更多希望能够从视觉上、心理上与色彩面貌达到协调、融合的状态，改变颜色的色相是想把它用得更高级一点。用色不是西方绘画的专利，中国画也一直在用色，但西方艺术中的一些方式可以借鉴。我们这一代画家就是在一个可以不断学习的过程当中发现了一些不同于古人用色的方式，这是我们能够创作出不同于古代作品的契机。
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林容生《园林NO.20》纸本水墨设色34x91cm 2020
艺术品鉴：您在不同创作阶段画面中的笔墨线条变化似乎有很大差异，您如何看待这种变化？有没有哪一个阶段的创作是最符合您的创作心境的？
林容生：我是从工笔开始画青绿山水的，那个时候比较年轻，笔墨的积累显然不够。运用工笔的方式进行创作，在题材上、形式上、色彩上可以进行许多新的尝试。实践工笔最合适的年龄应该是在50岁之前， 50岁之后眼力和体力都显得有点力不从心，技法定型之后很难有改变或突破，基本上都是在重复以前的自己。
随着这些年对绘画的认识，再随着自身年龄和笔墨积淀以及环境改变各方面的原因，我比较自然而然地回到了对笔墨探索的阶段，也就是我后期呈现的意笔的方式。青绿分两种形态，一类是像工笔一样勾线，然后再一层层覆盖颜色上去，这其中有些细节可以做到很细腻、很丰富；还有一种是在笔墨的基础上设色，即意笔。工笔设色色彩的表现可以比较充分的，我画工笔也是出于这一技术角度上的考量；而意笔能够用线条来承载更多的生命状态和精神内容。
从形式上我想做的是将这二者关联起来，工笔和意笔是两种技法，但从精神气息上来看，它又能表现出这是一个人的作品。每位画家每个时期的作品当然应该有不同的表现，因为生活不是一成不变的，对艺术的认识也不是一成不变的，如果艺术呈现的是自身生命状态，作品是应该可以看到这种真实的过程的。说到底，这也是艺术、绘画的乐趣所在。
有时候这种变化是不知不觉的，有时候则是在创作过程当中的一个主动要求。这些变化只是体现自己不同的状态、想法和心境。中国绘画中最为纯粹、生命力最持久的是以线条所承载的笔墨形式，它始终与你的生命状态相关，是可以进行无限探索，可以一直画下去的内容，尤其是年龄稍长之后，如果创作方式不能转换到笔墨形态上来，那么作为一个中国画家，其实是不完整的。
我们这一代五六十年代之后的画家，是受西方造型方法训练的，基于西方造型形式观念上进行创作，这种造型体系其实是不太符合传统的笔墨的运用方式的，如果将笔墨运用在极度造型、极度写实的规范内，那么必然要受局限。笔墨必须要建立在一个自由自在的结构空间里，就是中国画的结构空间和写意状态，在这个当中用笔才是自由的，造型才是自由的，当然，画画过程也会更自由。